ULASAN : – Terlepas dari gaya penyuntingan yang membuat potongan kronologi konvensional, film biografi Edith Piaf karya Dahan yang berusia 40 tahun adalah film yang mencengangkan. Sinematografi yang indah dan kontribusi mise-en-scene yang kaya (meski tidak merata), dengan pemeran pendukung yang solid termasuk Sophie Testud (sebagai pendamping Piaf Momone), Pascal Greggory (sebagai manajer setia Louis Barrier), Emmanuelle Seignier (sebagai Titine, pelacur yang menjadi ibu penggantinya), dan Gérard Depardieu (sebagai pria yang pertama kali menyadari besarnya bakatnya) – dan dimahkotai dengan penampilan utama yang spektakuler oleh Marion Costillard yang benar-benar bangkrut dan akurat hingga ke kuku jari.La Môme Piaf, anak burung pipit, lahir Édith Gassion dan dinamai ulang oleh Louis Leplée (karakter Depardieu), muncul dalam semangat yang intens, menderita, penuh gairah, seorang yang percaya pada cinta dan Saint Theresa (pemulih penglihatannya) yang mencontohkan citra artis yang terkutuk. Segalanya bergolak sejak awal dan tidak pernah berhenti seperti itu. Seperti yang kita lihat Piaf muda, dia ditinggalkan oleh ibunya yang penyanyi jalanan, dibesarkan di rumah bordil, hampir menjadi buta, direnggut dari ibu penggantinya untuk tur di sirkus bersama ayahnya dan mulai bernyanyi ketika menemaninya sebagai jalanan -melakukan manusia karet. Kerumunan ingin dia melakukan sesuatu, jadi dia menyanyikan Marseillaise dengan suara dering sederhana dan bintang lahir. Tapi dia tidak keluar dari selokan sampai pemilik kabaret yang modis, Leplée membisikkannya dari jalan dan ke panggungnya untuk ditemukan secara bergiliran oleh seorang komposer dan impresario radio – dan saat itu dia sudah menjadi peminum berat. Narkoba dan tragedi mengiringi ketenaran yang semakin meningkat dalam kisah angin puyuh yang berputar-putar ini. Saat film bergeser bolak-balik antara hari-hari terakhir Piaf (hanya 47!), satu kisah berkelanjutan adalah kisah cintanya dengan juara tinju Prancis Marcel Cerdan (seorang pria tampan dan menarik Jean-Pierre Martins) yang dimulai saat keduanya berada di New York. Selingan yang lembut dan manis di pusaran ini berakhir dengan tragis ketika Cerdan meninggal dalam kecelakaan pesawat saat kembali ke New York melihatnya. Piaf memerankan kesedihannya secara spektakuler di hadapan banyak teman, gantungan baju, petugas, dan penangan. Berbeda dengan set realistis dari kehidupan awal, yang New York bersifat simbolis dan stagy. Kita melihat campur aduk saat-saat bahagia dan sedih, kemenangan dan aib. Beberapa hal dihilangkan – tindakan Piaf selama Pendudukan; pernikahannya di usia lanjut dengan penyanyi Yunani yang sangat muda. Setelah kecelakaan pesawat merenggut kekasih juara tinju yang sudah menikah dan dia mengalami kecelakaan mobil, disarankan dia tidak pernah jauh dari jarum morfin, tetapi kami kehilangan secara spesifik kecanduan narkoba dan pengaruhnya terhadap kesehatannya. Selain Cerdan, tidak banyak detail tentang cinta dan pernikahannya. Kami beralih ke salah satu dari banyak panggung yang runtuh dan periode pemulihan ketika penyanyi lebih terlihat seperti wanita tua daripada wanita berusia 40 tahun dan bergerak seperti mumi yang diisi. Pertunjukan kemenangan terakhir di aula musik besar Paris, Olympia – salah satu tempat dia menginjakkan kaki di hari-hari ketenarannya – dibatalkan bahkan olehnya, tetapi kemudian ketika seorang komposer memainkan lagu baru untuknya, "Je ne pity rien," dia mengatakan itu dia, dia harus bangkit untuk menyanyikannya dan dia terinspirasi untuk melanjutkan konser Olympia dan lagu yang menjadi lagu kebangsaannya. Meskipun Dahan mengatakan dia tidak berpegang pada gagasan bahwa kesengsaraan adalah unsur seni yang diperlukan. , versinya tentang kisah Piaf tidak pernah jauh dari pergaulan romantis yang biasa itu. Cotillard menghidupkan penyanyi itu dengan kuat, tetapi orang berharap film yang penuh gejolak itu memberi Piaf beberapa momen sehari-hari yang damai, duduk dengan tenang untuk minum kopi dan merokok, makan malam tanpa mabuk. Meskipun ada nama tempat dan tanggal yang terlintas di layar untuk membantu kita mengarungi kronologi yang berkelok-kelok, film ini tidak memberikan pengertian yang jelas tentang bentuk kehidupan. Seberapa banyak keberadaannya berubah ketika dia menjadi ikon? Apakah ada periode berkelanjutan ketika dia terkenal, sehat, dan bahagia pada saat yang bersamaan? Apakah dia benar-benar berselingkuh dengan Aznavour, Montand, Marlene, dkk., Seperti rumor yang beredar? "Narasinya harus impresionis, bukan linier," komentar Dahan. Tentu saja ini tidak dipelajari, pembuatan film analitis tetapi, seperti yang disarankan oleh pernyataan Dahan, jenis impresionistik yang liar. Film terakhir Dahan adalah mimpi buruk Crimson Rivers II; latar belakangnya suka berpetualang tetapi tidak sepenuhnya dibedakan. Dia membuat video musik, yang mungkin membantu menjelaskan gaya penyuntingannya. Pengeditan itu seperti angin puyuh – di ranjang kematiannya kita kembali ke masa kanak-kanaknya dan saat-saat atau kemenangan dewasanya dengan beberapa pemilihan yang sangat licik di antaranya – sehingga ketika penampilan terakhir Olympia dari "Je ne pity rien" datang, kita kehabisan tenaga. Dalam urutan penutup yang mengarah ke final ini di mana gaya pengeditan yang mengigau akhirnya mulai masuk akal, tetapi kronologi yang bengkok seperti itu tidak bertahan lebih dari dua jam dua puluh menit, dan orang berharap itu digunakan lebih hemat di awal. film ini jadi lebih klimaks di akhir. La Vie en Rose/La Mome mungkin menyisakan banyak pertanyaan dan sedikit keraguan, tapi kekuatan emosionalnya didukung oleh suara dan gambar yang bagus. Bahkan dalam urutan kardusnya di New York, film ini bersinar dan indah untuk dilihat. Nyanyiannya adalah perpaduan mulus dari rekaman Piaf yang disempurnakan dan karya peniru suara Jil Aigrot yang tepat, dengan lip-synch yang sangat meyakinkan yang dilakukan oleh Marion Cotillard yang tak kenal lelah dan benar-benar luar biasa. Apa pun yang mungkin Anda simpulkan tentang film yang luar biasa dan kacau ini – benar-benar tidak ingin memberi Anda waktu untuk berpikir – Anda akan mengakui bahwa Cotillard memberikan salah satu pertunjukan bintang paling luar biasa yang pernah ada dalam biopik penyanyi. Ini akan membuatmu menangis.

ULASAN : – Pertama-tama, saya harus mengatakan bahwa saya bukan pembenci Terrence Malick. Sebaliknya: saya biasa menyembah laki-laki itu. Saya bahkan mengambil seluruh kursus di sekolah film yang didedikasikan untuknya, Orson Welles, dan Stanley Kubrick. Saya pikir 5 film yang dibuat Malick dalam 38 tahun pertama karirnya (“Badlands,” “Days of Heaven,” “The Thin Red Line,” “The New World,” dan “The Tree of Life”) adalah mahakarya . Saya bahkan menyukai “To the Wonder”, yang diputar hampir secara universal, meskipun jelas tidak berada di liga yang sama dengan film-film sebelumnya. Setelah “Pohon Kehidupan” yang terkenal, Malick (sekarang berusia 73 tahun) telah mengerjakan beberapa proyek dalam berbagai tahap produksi. Dia memfilmkan “Song to Song” segera setelah “Knight of Cups” (dirilis tahun lalu) pada tahun 2012, dan baru dirilis sekarang, sebagai film berdurasi 129 menit, setelah hampir lima tahun pasca produksi dan setidaknya 8 editor. untuk mengubahnya menjadi sesuatu yang koheren dari jarak jauh (kabarnya, potongan pertama berdurasi 8 jam). Sayangnya, seperti “Knight of Cups”, “Song to Song” terasa seperti parodi dari karya Malick: narasi sulih suara yang luas dan bergumam oleh semua karakter utama (diambil secara ekstrim), citra alam yang menakjubkan dan tinggi- akhiri real estat, dan orang-orang cantik benar-benar berjalan berputar-putar dan bertingkah imut (atau jahat) satu sama lain. Plot yang sangat tipis berputar, seperti yang Anda dengar, di sekitar dua cinta segitiga berpotongan dengan adegan musik di Austin, Texas. Tetapi musik tidak memainkan peran besar dalam cerita ini, dan itu pasti bisa mengangkatnya. Seabstrak film-film Malick sebelumnya, semuanya memiliki tema yang nyata, kaya, filosofis, dan seringkali universal. “Knight of Cups” dan “Song to Song” adalah masturbasi sinematik murni. Trik Malick adalah mendapatkan beberapa bintang film terbesar (dan paling tampan) di dunia, dan aktor utamanya (Rooney Mara, Ryan Gosling, Michael Fassbender, Natalie Portman) memiliki wajah yang dapat dengan mudah ditonton selama berjam-jam. Tetapi bahkan bintang-bintang hebat ini pun tidak dapat menyamarkan kekosongan film tersebut. Mara memiliki waktu layar paling banyak dari semuanya, menjadi satu-satunya karakter utama yang sebenarnya di sini, sementara Cate Blanchett, Holly Hunter, Val Kilmer, dan Berenice Marlohe direduksi menjadi akting cemerlang. Setidaknya ada satu momen asli yang menyakitkan, menjelang akhir, yang menampilkan karakter Hunter, tetapi itu hanya berlangsung beberapa detik; Tatapan Malick tidak tertarik pada emosinya. Dia lebih suka menunjukkan kepada kita, untuk kesekian kalinya, Mara dan Fassbender malah genit dan seksi. Saya semua tentang sinema eksperimental, tetapi ketika Anda menyadari bahwa ini adalah jenis proyek “eksperimental” terdalam yang dapat dilakukan Hollywood (dibuat oleh auteur terhormat yang hampir dibayar oleh bintang film untuk bekerja sama), Anda merasa lebih bernostalgia untuk film tersebut. kolaborasi berani antara Tilda Swinton dan mendiang Derek Jarman. Saya mengenal orang-orang yang menganggap “Knight of Cups” sebagai “mahakarya” dan mungkin akan mengatakan hal yang sama tentang “Song to Song”. Saya mencoba untuk menghormati pendapat orang lain, tetapi menurut saya kita tidak melihat film ini melalui lensa yang sama. Saya masih mengagumi dan menghormati Malick; Saya hanya lebih menyukai pekerjaannya ketika dia ingin mengatakan sesuatu. Saat ini, saya melihatnya sebagai seseorang yang mampu membuat film rumahan yang tampak indah hanya untuk kesenangannya, tetapi dia menjadi seniman yang jauh lebih menarik ketika dia mengembangkan kanvasnya menjadi sesuatu yang benar-benar kita pedulikan.

ULASAN : – Seberapa jarang kita mendapatkan film monster yang bagus? Tahun 1950-an dipenuhi dengan film-film monster yang murahan, tapi juga sangat menyenangkan. Victor Salva adalah penggemar film-film itu dan itu terlihat ketika dia menulis Jeepers Creepers, sebuah film horor yang menyenangkan dengan penjahat film baru yang hebat. Belum lagi itu adalah istirahat yang bagus dari semua film CGI gila akhir-akhir ini, ini adalah film horor make up kuno. Dengan dua aktor utama yang baik dan klise konyol mereka yang merupakan kesenangan yang bersalah, ini adalah film perjalanan yang menyenangkan dengan orang-orang yang merinding. Trish dan kakaknya Darry akan pulang dari perguruan tinggi. Saat mereka berkendara melewati pedesaan, seorang pengemudi misterius dengan truk pengiriman tua yang berkarat mencoba mengusir mereka dari jalan. Setelah membiarkan kendaraan melewati mereka, mereka kemudian melihat truk yang sama, di kejauhan dari sisi jalan, dengan seorang pria raksasa meluncur apa yang tampak seperti tubuh yang ditutupi dengan lembaran berlumuran darah, ke dalam pipa besar yang mencuat dari tanah di sebelahnya. ke sebuah gereja tua yang ditinggalkan. Darry bersikeras agar mereka kembali dan menyelidiki. Di bagian bawah pipa, dia menemukan ratusan mayat yang dijahit menjadi satu, menutupi dinding gua besar di bawah gereja. Mereka pergi ke restoran dan menelepon polisi, mereka ditelepon oleh paranormal lokal, Jezelle, yang memperingatkan mereka bahwa mereka dalam bahaya yang mengerikan. Dia memainkan lagu "Jeepers Creepers" di telepon, dan memberi tahu mereka bahwa ketika mereka mendengar lagu itu, mereka akan berada dalam bahaya ekstrim. Mungkin ada momen klise mengapa kedua orang dewasa "pintar" ini kembali untuk menemukan mayat, wanita peramal yang dianggap semua orang sebagai psikopat dan tidak pernah mendengarkannya, dan adegan pengejarannya agak mudah ditebak. Tapi saya sangat menyukai film ini dan risiko yang diambilnya. Creeper adalah salah satu film horor terbaik yang pernah saya tonton dalam waktu yang lama. Efek riasannya dan cara dia memburu doanya sangat menakutkan dan menjijikkan pada saat yang bersamaan. Dia mengendus korbannya, barang-barang mereka dan ketika mereka memiliki sesuatu yang dia inginkan, dia tidak akan berhenti sampai dia memilikinya. Justin Long dan Gina Philips melakukan pekerjaan dengan baik dan memiliki chemistry yang hebat. Salah satu hal yang saya sukai dari film ini adalah bahwa alih-alih cerita pacar yang klise, mereka adalah kakak dan adik. Hubungan mereka tampak asli, cara mereka bermain satu sama lain sangat sempurna. Satu-satunya keluhan saya adalah bahwa kadang-kadang Gina memainkan peran sedikit mati, meskipun saya dapat melewatinya karena karakternya tampaknya memiliki keunggulan yang lebih keras mungkin dari perpisahan yang sulit sebelum kami bertemu mereka di perjalanan. Saya juga suka film itu sedikit mengingatkan saya pada film pertama Steve Spielberg Duel dan saya tidak ragu bahwa Victor mendapat inspirasi dari film itu. Mobil-mobil itu juga memainkan peran utama sebagai penjahat dan membunyikan klakson yang dibuat oleh truk menjalar itu. Saya sangat menyukai Jeepers Creepers, film ini menakutkan, lucu, dan cerdas, dan orang-orang harus santai karena ini adalah salah satu film horor terbaik yang akan dirilis dalam beberapa tahun.8/10

ULASAN : – kuat>Tidak ada ulasan

ULASAN : – Menurut saya film ini luar biasa karena alasan yang tidak saya duga. Saya telah mendengar tentang “Kisah Tokyo” Yasujiro Ozu selama beberapa tahun tetapi tidak pernah memiliki kesempatan untuk melihatnya sampai Criterion menghidupkannya kembali sebagai bagian dari koleksi DVD mereka. Berusia lebih dari lima puluh tahun, film tahun 1953 yang menakjubkan ini bergema sedalam hari ini. Orang-orang di luar Jepang jarang melihat film klasik Jepang yang tidak melibatkan prajurit samurai dalam pertempuran abad pertengahan. Yang ini, bagaimanapun, adalah drama keluarga yang diamati secara halus di Jepang pasca-Perang Dunia II, dan itu adalah ketenangan dan kurangnya kepura-puraan gaya pembuatan film Ozu yang menjadikan ini salah satu film yang paling mengharukan. Plotnya berpusat pada Shukishi dan Tomi , pasangan lanjut usia, yang melintasi negara dari desa nelayan selatan Onomichi untuk mengunjungi anak-anak mereka yang sudah dewasa, putri Shige dan putra Koichi, di Tokyo. Memimpin kehidupan mereka sendiri yang sibuk, anak-anak menyadari kewajiban mereka untuk menghibur mereka dan mengemasnya ke Atami, sebuah resor terdekat yang ditargetkan untuk orang-orang yang bersuka ria di akhir pekan. Tiba-tiba kembali ke Tokyo, Tomi mengunjungi menantu perempuan mereka yang baik hati, Noriko, janda putra kedua Shoji, sementara Shukishi mabuk dengan beberapa teman lama. Pasangan tua itu menyadari bahwa mereka telah menjadi beban bagi anak-anak mereka dan memutuskan untuk kembali ke Onomichi. Mereka juga memiliki putri bungsu Kyoko, seorang guru sekolah yang tinggal bersama mereka, dan putra bungsu Keizo bekerja di perusahaan kereta api di Osaka. Saat ini anak-anak, kecuali Kyoko dan Noriko yang berbakti, telah menyerah pada orang tua mereka, bahkan saat Tomi jatuh sakit di Osaka dalam perjalanan pulang. Dari alur cerita yang tampaknya berbelit-belit, terdengar sepele, penuh dengan kemungkinan sinetron, Ozu telah membuat film yang menyentuh hati dan pada akhirnya ironis yang berfokus pada detail dalam kehidupan orang daripada satu situasi dramatis. Yang membuat saya terpesona tentang gaya aneh Ozu adalah bagaimana dia mengandalkan sindiran untuk meneruskan ceritanya. Faktanya, beberapa peristiwa yang lebih kritis terjadi di luar kamera karena observasi Ozu yang sederhana dan tajam terhadap kehidupan karakter ini tetap memiliki wawasan yang kuat tanpa dibuat-buat. Sarjana Ozu David Desser, yang memberikan komentar mendalam tentang trek audio alternatif, menjelaskan konsep ini sebagai “elips naratif”, cara Ozu yang sangat efektif untuk memberikan kesinambungan emosional pada sebuah cerita tanpa memberikan semua detail yang dapat diprediksi di antaranya. Ozu juga memposisikan kameranya rendah sepanjang filmnya untuk mereplikasi perspektif seseorang yang duduk di atas tikar tatami. Itu menambah secara signifikan kemanusiaan yang dia bangkitkan. Tidak ada konfrontasi melodramatis di antara para karakter, tidak ada pertunjukan masokis, dan dialognya tampak biasa saja, karena bahkan komentar yang paling tidak langsung pun berpengaruh pada cerita. Film ini tidak mengutuk siapa pun dan rasa keniscayaannya hanya membawa kesedihan yang pasrah. Yang paling mengherankan saya adalah bagaimana endingnya begitu katarsis karena karakternya terasa begitu nyata bagi saya, bukan karena ada perkembangan plot yang manipulatif, bahkan kematian, yang memaksa saya untuk merasakannya. Saya suka penampilannya, karena mereka memiliki neo -realisme yang membuat mereka semakin mempengaruhi. Chishu Ryu dan Chieko Higashiyama sangat otentik sebagai Shukishi dan Tomi, dengan sempurna menyampaikan pengunduran diri yang mereka rasakan tentang kehidupan mereka dan anak-anak mereka tanpa tergelincir ke dalam sentimentalitas murahan. Higashiyama dengan mudah menampilkan sikap cerah seorang nenek, jadi ketika kesedihan mengambil alih hidupnya, itu menjadi semakin menghantui. Secara khusus, dia memiliki adegan yang indah di mana Tomi menatap cucunya dengan sedih bertanya-tanya akan menjadi apa dia ketika dia besar nanti dan apakah dia akan hidup untuk melihat apa yang terjadi. Yang lebih memilukan adalah adegan di mana Shukishi dan Tomi duduk di Taman Ueno menyadari bahwa anak-anak mereka tidak punya waktu untuk mereka dan pasrah pada kenyataan bahwa mereka perlu mencari tempat untuk tidur di malam hari. Yang paling dekat dengan penjahat dalam film ini adalah Shige, yang diperankan tanpa rasa takut oleh Haruko Sugimura, yang mampu menunjukkan rasa hormat, kepicikan, dan berkomplot dengan gaya lincah yang realistis. Awasi dia ketika dia mengeluh tentang kue mahal yang dibelikan suaminya untuk orang tuanya (karena dia dengan egois memakannya sendiri) atau bagaimana dia menipu Koichi untuk ikut membiayai perjalanan ke Atami atau bagaimana dia menunjukkan rasa frustrasinya ketika orang tuanya pulang lebih awal dari spa. Jadi Yamamura (akrab untuk penonton Barat kemudian sebagai Laksamana Yamamoto di “Tora! Tora! Tora!”) menampilkan ketidakpedulian yang tepat sebagai Koichi, dan Kyoko Kagawa memiliki beberapa garis tajam menjelang akhir film sebagai Kyoko yang kecewa. Tapi penampilan terbaik datang dari Setsuko Hara yang legendaris, seorang aktris bercahaya yang kecantikan dan kepekaannya mengingatkan saya pada Olivia de Havilland di era yang sama. Sebagai Noriko, dia sangat mempesona dalam menunjukkan kesopanan karakternya, kemurahan hatinya yang tidak dipaksakan terlepas dari statusnya yang rendah dan senyumnya yang konstan sebagai topeng untuk rasa sakitnya. Dia memiliki sejumlah momen yang sangat mempengaruhi, misalnya, ketika Noriko menjelaskan kepada Shukishi dan Tomi bagaimana dia merindukan suaminya, meskipun tersirat bahwa dia adalah seorang pecandu alkohol yang brutal; atau ucapan selamat tinggal yang menyentuh pada Kyoko; atau rasa malunya yang menyakitkan atas penghargaan tinggi yang dipegang Shukishi atas kebaikannya. Jangan berharap kembang api atau momen mengejutkan, hanya film emosional yang kuat meskipun pendekatannya tampak sederhana. Set DVD dua disk memiliki komentar dari Desser pada disk pertama, serta trailernya. Pada disk kedua, ada dua film dokumenter yang sangat bagus. Salah satunya adalah fitur komprehensif 1983, dua jam yang berfokus pada kehidupan dan karier Ozu, dan yang kedua adalah penghargaan 40 menit dari beberapa sutradara film internasional.

ULASAN : – Sebagai catatan, saya adalah penggemar berat Kerouac. Namun, menurut saya On the Road bukanlah karya terbaiknya. Saya suka tulisannya nanti, lebih introspektif, tapi saya tahu saya termasuk minoritas di sini. Ada alasan bagus mengapa kami harus menunggu begitu lama untuk versi layar On the Road. Tidak mungkin dipercaya, beberapa novel tidak ditulis dengan mempertimbangkan hak film potensial. On the Road terkadang bertele-tele, aliran kesadaran, rangkaian sketsa tanpa tujuan yang jelas dalam pikiran. Ini adalah novel tentang hedonistik-kematian-mengemudi di jalan raya Amerika dalam pencarian kehidupan dan lari darinya. Bagi anggota kelompok Kerouac (Sal Paradise), hidup dikendalikan penghancuran diri karena kematian lebih disukai daripada kebosanan. Sikap-sikap ini muncul dari masa-masa di mana realitas potensi bencana nuklir membayangi bangsa dan sikap-sikap yang diinduksi itu menemukan ekspresi di kalangan pemuda yang mengubah hidup yang tanpa arah menjadi hidup untuk saat ini. Membuat film tentang buku semacam itu membutuhkan seleksi. Amukan hedonistik Kerouac di seluruh Amerika, seperti yang dipilih oleh sutradara Walter Salles, terlihat lebih ceroboh dan berbumbu seks daripada di novel. Kerouac, seperti yang kita lihat dalam karya-karyanya selanjutnya, adalah seorang hedonis dengan hati nurani; kombinasi mematikan yang kemungkinan besar membuatnya meminum dirinya sendiri sampai mati. Sutradara Salles melihat apa yang ingin dilihatnya, seorang pria gila seks, gila narkoba, dua dimensi. Jika ini benar-benar pria yang diwakili dalam novel, novel tersebut tidak akan memiliki kualitas abadi yang menjadikannya sastra. Saya menyukai cara tahun 1950-an ditangkap dalam film. Itu sedekat mungkin dengan kesempurnaan yang bisa Anda dapatkan. Pentingnya jazz dengan improvisasinya mencerminkan kehidupan para pelancong. Aktingnya bagus tapi interaksinya tidak. Mungkin itu intinya. Tidak perlu interaksi di zaman ketika moralitas tertinggi didasarkan pada keegoisan. Filmnya mungkin oke untuk ditonton sekali, tapi saya lebih suka tidak menempuh jalan ini lagi.

ULASAN : – Seiring berjalannya waktu, kami semakin menjadi sasaran kekejaman dalam masyarakat berhak kita sendiri, dan di sini kita memiliki yang terburuk dari yang terburuk. Ini adalah penggambaran yang sangat nyata dari Jepang feodal di mana tidak ada yang mudah bagi kelas petani. Sungguh memilukan melihat pengorbanan dua anak yang dijual sebagai budak dan diperlakukan kurang dari manusia. Tidak ada yang sederhana atau dongeng seperti di film ini. Apa pun yang diperoleh dilakukan dengan realitas yang paling keras. Namun yang luar biasa adalah penceritaan, penyutradaraan, dan akting yang luar biasa berdasarkan prinsip-prinsip dalam film ini. Saya telah mendapatkan kembali minat pada sinema Jepang dan berniat untuk menjelajahinya lebih lanjut.

ULASAN : – “Starstruck” (2010) sama bagusnya dengan kebanyakan film Disney dan jauh lebih baik daripada beberapa film lainnya (masukkan “Program Perlindungan Putri” di sini). Pikirkan “Menangkan Kencan dengan Tad Hamilton!” (2004) minus elemen PG film itu. Pada intinya, ini adalah dongeng lain ketika remaja Kalamazoo Jessica Olsen (diperankan dengan baik oleh Danielle Campbell) mengunjungi Hollywood dan secara tidak sengaja bertemu dengan kekasih remaja mega-bintang Christopher Wilde (Sterling Knight). Knight bergabung dengan rekan pemeran “Sonny With A Chance” Brandon Mychal Smith. Rahasia jenis dongeng ini terletak pada seberapa baik mereka terhubung dengan pemirsa; jika film tersebut dapat membuat penonton sangat mengidentifikasi diri dengan karakter tersebut karena dia sangat terburu-buru karena tiba-tiba menjadi bagian dari dunia selebritas, penonton akan ketagihan. Maka tantangannya adalah membuat mereka terpikat selama mungkin. “Starstruck” memikat Anda dan membuat terburu-buru perwakilan ini jauh melewati titik tengah, sebagian besar karena putaran membuat Jessica agak kewalahan oleh keadaan. Tapi akhirnya rodanya lepas, atau dalam hal ini tenggelam ke dalam lubang lumpur yang tidak terduga. Ilusi meledak dan semua orang kembali ke kenyataan karena tidak mungkin untuk menangguhkan ketidakpercayaan ketika AMC Pacer (Petunia) tenggelam ke dalam lumpur. Sejak saat itu hanya melodrama yang berlebihan sampai film akhirnya pulih dan keluar dengan urutan rekonsiliasi yang sangat bagus. Chelsea Staub sekali lagi tidak berhasil memainkan gadis yang kejam (ingat bencana “Bratz”). Terlalu banyak disukai secara alami, Anda akan mengira mereka sudah mengetahuinya sekarang. Maggie Castle melakukan pekerjaan yang baik sebagai kakak perempuan Jessica, Sara, yang di sebagian besar film jauh lebih menyukai Chad daripada Jessica. Abbie Cobb berperan sebagai teman Sara, AJ. Jika peniruan benar-benar bentuk sanjungan yang paling tulus, maka Kay Panabaker seharusnya merasa sangat senang akhir-akhir ini; saat Cobb bergabung dengan Bridgit Mendler dan Meaghan Jett Martin (yang berhasil memerankan gadis jahat) sebagai klon wannabe Panabaker Disney yang lain. Lalu lagi, apa yang saya tahu? Saya hanyalah seorang anak kecil.

ULASAN : – Dari saat SEKALI dimulai, jelaslah bahwa pengalaman yang akan didapat tidak seperti yang pernah Anda alami sebelumnya. Seorang pengamen bernyanyi demi uangnya di jalan. Kualitas gambar berbutir; kemantapan kamera paling goyah. Hari berubah menjadi malam dan lagu berubah dari terang menjadi gelap. Gairah yang dinyanyikannya hampir meluap dan tiba-tiba berbatasan dengan puting. Dari cara pengamen dijebak, tidak jelas apakah ada orang di sana untuk mendengarkan lagunya, tetapi semangatnya mengesampingkan skeptisisme dan menyatakan bahwa lagu itu sendiri dan kepuasan yang didapat dari menyanyikannya, lebih penting daripada pentingnya membuat seseorang mendengarkan. dia. Tapi seseorang mendengarkan setelah semua. Seorang wanita muda dari Republik Ceko berdiri terpaku di depan pengamen kami di jalan Dublin ini dan sebuah percikan menyalakan api yang memberikan ONCE kehangatannya. Penulis/Sutradara, John Carney, menghapus semua konvensi dari film musikal dan membuat film yang berbunyi seperti lagu cinta yang ditulis dengan baik tentang dua musisi yang jatuh cinta satu sama lain dan musik yang mereka ciptakan bersama. Di awal tahun 90-an, Carney pergi grup rocknya, The Frames, untuk mengejar karir di bidang pembuatan film. The Frames berlanjut tanpa dia dan penyanyi utama baru, Glen Hansard, akhirnya mengambil cuti untuk mencari usaha musik baru, pindah dari Dublin ke Republik Ceko. Di sini dia bertemu Marketa Irglova, seorang pianis terlatih klasik, dan mereka mengembangkan proyek berjudul The Swell Season. Meskipun keduanya tidak memiliki hubungan asmara, pertemuan mereka dan musik yang dihasilkan menjadi inspirasi Carney untuk ONCE. Selama seminggu setelah pertemuan awal mereka di jalan, kedua artis yang tidak pernah disebutkan namanya dalam film tersebut, belajar untuk menerima bahwa mereka tertarik satu sama lain secara misterius. Jika diberi kesempatan, hubungan antara keduanya bisa menjadi satu yang akan saling membantu tumbuh. Dia akan menjadi sosok ayah yang hebat bagi anaknya yang masih kecil dan dia akan mendorongnya untuk membuat sesuatu dari dirinya sendiri. Meskipun nada ONCE sederhana, kehidupan kedua karakter ini tidak. Dia punya pacar di London yang dia rindukan tetapi merasa dia tidak bisa keluar dari kewajiban kepada ayahnya di Dublin, sementara dia masih menikah dengan seorang suami terasing yang dia tidak yakin dia memiliki masa depan bersamanya. Triknya kemudian adalah untuk tetap berada di momen bersama satu sama lain dan tidak pernah membiarkan hubungan mereka pergi ke tempat yang seharusnya terasa alami. Meskipun pendekatan modern untuk film musikal, ONCE tidak begitu modern sehingga meninggalkan musiknya. Sebaliknya musik menjadi katalisator cinta. Dia pertama kali tertarik padanya dengan suara lagunya. Dia menyanyikannya dengan penuh semangat sehingga dia bisa melihat jiwanya secara langsung. Tidak semua yang mampu menunjukkan kerentanan seperti itu namun ketika lagu berakhir, dia tersandung kata-kata yang diucapkannya dan tidak ada yang keluar sebagaimana mestinya. Pada awalnya, dia hampir tampak seperti gangguan baginya. Baru setelah dia mendengar musik indah yang dia buat dengan tangannya, sekilas jiwanya menarik semua perhatiannya. Mereka adalah ritual kawin yang dilakukan dalam nyanyian. Ketika satu bernyanyi atau bermain, yang lain mendengarkan. Ketika seseorang tidak dapat mengungkapkan sentimen yang tepat dengan kata-kata, musiklah yang menyampaikan maksudnya. Saat keduanya menemukan diri mereka sendirian di toko alat musik lokal, mereka belajar apa artinya bernyanyi bersama. Untuk melakukannya, mereka harus benar-benar mendengarkan suara orang lain dan mengikuti kecepatan dan ritme nada yang sama. Suara mereka, ternyata, adalah pujian yang sempurna satu sama lain. Harmoni yang mereka ciptakan mengarah ke sebuah lagu yang dengan sendirinya merupakan representasi dari cinta di antara mereka, rapuh dan murni. Kimia halus antara Hansard dan Irglova dibingkai sedemikian rupa sehingga hanya berfungsi lebih jauh untuk mewujudkan ketulusan yang tulus antara keduanya. dua. Hampir seluruhnya dipegang dengan tangan dan hanya diterangi dengan cahaya alami, ONCE tampaknya kurang seperti pembuatan film yang rumit dan lebih seperti penceritaan berlapis, atau mungkin lebih tepat, penulisan lagu. Sederhananya, ONCE seperti lagu lembut sempurna yang dimainkan secara akustik di taman; itu meresap ke dalam jiwa Anda, menenangkan Anda saat matahari terbenam di wajah Anda yang tersenyum, membiarkan semua sinisme mencair sementara keyakinan Anda yang ditegaskan kembali pada cinta dinyanyikan dari mulut Anda.

ULASAN : – “Dapatkah Anda membayangkan diri Anda melakukan ini pada usia dari 60?” “Ya, tentu.” Saya pikir itu adalah baris yang paling rapi dalam konser-dokumenter ini ketika Mick Jagger memberikan jawaban yang jujur dan profetik untuk pertanyaan itu, sekitar 30 tahun atau lebih yang lalu (mungkin mendekati 40!). Kami lihat wawancara singkat di sini di DVD konser ini.Tidak hanya Mick tetapi Keith Richard, Charlie Watts dan Ronnie Wood terus berjalan dan terus berjalan.Tidak ada yang mengejutkan saya karena saya memiliki sekitar setengah lusin konser Stones dalam bentuk DVD atau Kaset VHS dan ini sangat menghibur, begitu juga dengan semua konser mereka Film ini 95 persen konser dan 5 persen bicara, jadi yang menganggap ini adalah documenta ry akan kecewa. Pembicaraannya mencakup wawancara lama dan segmen pembuka dengan sutradara mencoba bekerja dengan grup yang, seperti yang kita lihat, tidak mudah. Bagi mereka yang menginginkan lebih banyak materi dokumenter, lihat featurette berdurasi 16 menit yang disertakan dengan DVD. Ada beberapa materi bagus tentang itu, refleksi oleh beberapa orang, beberapa karya gitar akustik yang bagus dan kesempatan yang lebih baik untuk melihat seperti apa mereka saat latihan. Sejauh konser ini – diadakan di Teater Beacon di New York City – lanjut, ini tentang rata-rata untuk Stones. Konser tahun 2003 di Madison Square Garden NYC dan yang sebelumnya di London, Berlin, Turin, dan tempat lain di seluruh dunia tampak lebih dinamis daripada yang ini, karena panggung dan penonton yang lebih besar. Di tempat yang lebih kecil dari Beacon, kami tidak dapat menikmati alat peraga besar, papan skor neon, anak laki-laki berjalan menyusuri lorong panjang untuk satu set kecil di tengah kerumunan, Mick berjingkrak di sisi panjang panggung, dll. berjingkrak dan semua itu masih ada di sini tetapi di area terbatas, kadang-kadang hampir sesak. Menyenangkan di sana-sini melihat klip lama band diwawancarai ketika mereka baru di tahun kedua dan ketiga tur mereka. Anda mendapatkan gambaran tentang pertanyaan-pertanyaan konyol yang mungkin telah diajukan wartawan kepada grup rock itu ribuan kali. The Stones, terutama drummer Charlie Watts, juga tidak terdengar seperti sarjana Rhodes! Watts tampaknya juga tidak pada tempatnya, tetapi – sebagai pria keluarga – itulah yang selalu terjadi. Namun, semua orang menyukai Charlie, dan menghormatinya – mungkin karena dia berbeda dari yang lain. Awal mulanya, dengan sutradara film Martin Scorcese, agak aneh. Semua yang ditunjukkan pada dasarnya adalah rasa frustrasinya dalam mencoba mendapatkan kerja sama dari band mengenai kamera dan daftar set, dan mereka pada dasarnya melakukan apa yang ingin mereka lakukan. Kami juga mendapatkan adegan pendek yang menjijikkan dengan band – saya tidak mengada-ada – memeluk dan mencium Tuan dan Nyonya Clinton dan ibu yang terakhir. Sepertinya bukan bagian dari persona Stones, tapi saya kira mereka tidak punya banyak pilihan. Saya pikir saya lebih suka mendengar materi baru daripada materi lama yang sama, tetapi ternyata, dua jam ini konser terbaik dalam 40 menit terakhir ketika band membawakan lagu-lagu ceria yang familiar. Konser itu tampaknya menjadi hidup dengan “Sympathy For The Devil” dan empat atau lima favorit lama lainnya. Sebelumnya, listrik hilang pada banyak nomor yang biasanya tidak Anda dengar. Mungkin ini akan memiliki dampak yang jauh lebih tinggi pada saya jika saya melihatnya di teater IMAX, bukan di TV di layar kecil. Namun, ada percikan api yang beterbangan ketika ketiga tamu bernyanyi dan bermain dengan grup. Jack White, Buddy Guy, dan Christina Aguliera semuanya menghidupkan konser tersebut. Menjadi penggemar musik blues, saya paling menyukai nomor Guy. Sobat yang benar-benar terlihat seperti sedang bersenang-senang. Jagger dan Guy memperdagangkan lirik tentang betapa mereka menikmati merokok “reefer” dan Guy memasang steker untuk melegalkannya. Hanya karena ingin tahu, saya bertanya-tanya bagaimana reaksi keluarga Clinton terhadap itu dan beberapa lirik lainnya dalam lagu tersebut dan pengantar pasca-lagu oleh Jagger dari “Buddy motherf–king Guy!” Aneh bahwa kata-f dibungkam – dalam film Scorcese!! Belakangan, ternyata tidak. Ngomong-ngomong, di featurette, kami mendapatkan penjelasan mengapa Jagger memanggilnya seperti itu. Salah satu momen paling aneh – dan mungkin yang paling nyata – adalah bidikan jarak dekat dari drummer Charlie Watts yang menguap setelah satu nomor dan terlihat sangat lelah dan bosan. Hei, setelah bertahun-tahun …. dia berhak tetapi itu memberi kami pengingat singkat berapa usia orang-orang ini (pertengahan 60-an). Saya tidak berpikir sutradara Martin Scorcese, yang sinematografinya yang apik dalam film-filmnya menyenangkan untuk ditonton, tidak membantu orang-orang ini, dalam hal itu. Dia membuat mereka semua terlihat dan terdengar setua aslinya dan, hei, itu bukan Stones. Mereka melompat-lompat seperti anak berusia 20 tahun. Mereka akan berlangsung selamanya, bukan?