ULASAN : – Sebuah kehidupan imajiner Ratu Himiko Jepang prasejarah, berdasarkan longgar pada beberapa menyebutkan dalam kronik Cina. Himiko disajikan sebagai kepala pendeta dari kultus Dewi Matahari dan media roh. Kultus ini kemudian digunakan oleh keluarga Kekaisaran Jepang sebagai klaim mereka untuk memerintah. Himiko dijadikan ratu saat raja terbunuh, tetapi membiarkan orang-orang di sekitarnya memerintah. Dia kemudian digulingkan dan dibunuh karena dia bernafsu pada saudara tirinya, yang lebih tertarik pada Adahime, yang mendukung Dewi Bumi. Dilakukan dengan gaya modern, dengan sedikit usaha untuk mendapatkan kostum, set, dan pencahayaan seperti semula. akan pada saat itu. Motivasi bahasa dan karakter Jepang juga tampak modern. Penari Butoh Tatsumi Hijikata dan anggota rombongannya tampaknya menambahkan sentuhan sesuai dengan apa yang diharapkan dalam gambar Fellini, tetapi sejarawan tari mungkin tertarik.

ULASAN : – Film dimulai dengan sekelompok SANGAT bertekad samurai mengejar yang lain dalam upaya untuk membunuhnya. Anda benar-benar tidak tahu kenapa, tapi sepertinya mereka sudah lama mengejarnya. Saya sangat suka metode bercerita di mana hanya perlahan-lahan alasan untuk ini dan sub-plot lainnya terungkap SETELAH aksi utama memperkenalkan karakter. Meskipun ini bisa membuat filmnya membingungkan, itu tidak terlalu lama menyeret misteri ini dan akhirnya menciptakan cerita yang cukup. Saya terutama menyukai keseluruhan tema tentang kesia-siaan sistem samurai yang korup—hal ini dapat membuat film ini menjadi “penurunan” bagi sebagian orang, tetapi saya sangat menyukai bagaimana film ini membantah mitos tentang keindahan dan keanggunan kode etik. prajurit (seperti mitos dalam masyarakat Barat ksatria dan ksatria). Ada beberapa film yang dibuat di Jepang tentang korupsi sistem feodal Jepang (seperti THE 47 RONIN dan SAMURAI SPY), jadi fokus keseluruhan anti ini -samurai film tidak biasa. Namun, bagi penggemar genre ini, film ini memiliki akting, penulisan, dan arahan yang bagus–jadi sangat direkomendasikan. Hanya saja, ada film Jepang lain yang lebih bagus lagi yang layak untuk ditonton terlebih dahulu.

ULASAN : – Untuk penonton non-Jepang, ini bukan film yang mudah untuk memahami karena dibutuhkan pengetahuan yang layak tentang sejarah mereka untuk memahami apa yang terjadi. Saya akan mencoba meringkas konteks ketika film dimulai. Meskipun Jepang secara teknis diperintah oleh Kaisar, jabatan tersebut telah lama menjadi boneka. Jadi, sementara orang-orang mencintai dan menghormati kaisar mereka, menjalankan negara yang sebenarnya diserahkan kepada bos mafia. Dan dalam prosesnya, mereka mengeksploitasi rakyat dan mempertahankan negara dalam keadaan feodal. Ini disebut sebagai Keshogunan Tokugawa, karena shogun (bos, sebenarnya) ini memerintah seperti kaisar dan kaisar hidup dalam pengasingan–dalam kemewahan tetapi juga seperti tahanan virtual. Semua ini berubah pada akhir 1850-an ketika AS mengirim armada ke kapal ke Jepang untuk secara paksa menciptakan hubungan dengan barat. Sampai saat itu, Keshogunan telah melarang hampir semua kontak dengan dunia luar selama dua ratus tahun. Sekarang, bertentangan dengan keinginan mereka, mereka pada dasarnya dipaksa untuk menyambut pasukan Amerika … atau yang lain. Keshogunan membenci ini, tetapi Kaisar memanfaatkan ini sebagai kesempatan untuk akhirnya menegaskan dirinya dan mengambil alih kekuasaan. Jadi, bertentangan dengan keinginan berbagai klan yang menjalankan negara, Kaisar bernegosiasi untuk membuka negaranya serta kontrol aset. Meskipun bukan perubahan dalam semalam, melalui serangkaian perang dan pergolakan sosial BESAR, negara bergeser ke pemerintahan Kekaisaran–dikenal sebagai periode Meiji. memantapkan kekuatan. Rakyat mendukung hal ini—sebagian karena kaisar selalu menjadi objek pemujaan dan sebagian lagi karena Keshogunan sering mengeksploitasi rakyat untuk alasan egois. Dan, sementara ada banyak pertempuran antara berbagai klan selama ini, pasukan Kaisar pada dasarnya tidak tersentuh, karena Keshogunan tidak dapat menentang pemimpin mereka yang seperti dewa tetapi sampai saat ini tidak berdaya. Toshiro Mifune). Dia BUKAN salah satu pemimpin tetapi tampaknya sangat bersedia untuk mengungkapkan pikirannya kepada atasannya – cara bertindak yang sangat non-Jepang. Dan, ketika tentara mendekati kota asalnya, pria kurang ajar ini menyarankan kepada pemimpin agar Mifune diizinkan memasuki tempat itu dengan menyamar sebagai komandan pasukan Kekaisaran (dengan mengenakan hiasan kepala merah pemimpin), seperti yang dia tahu. orang-orang dan akan mendapatkan dukungan mereka lebih cepat daripada pria sejati. Plus, mereka dapat menggunakan kekuatan mereka untuk masuk dan mengubah kota terdekat lainnya untuk tujuan mereka. Meskipun rencananya masuk akal, Anda segera melihat bahwa Mifune, terus terang, agak tidak kompeten. Bisakah orang bodoh ini berhasil menyelesaikan misinya–terutama ketika bos lokal tidak akan menyerahkan begitu saja kekuatan yang telah mereka pegang begitu lama?! Nah, Anda memang harus mengagumi film ini karena meliput periode waktu ini dengan cara yang tidak biasa. Meskipun saya telah melihat banyak film Jepang yang dibuat selama perjuangan ini, hampir semua film lainnya bergaya heroik atau tragis. Yang ini hampir komedi… dicampur dengan beberapa adegan pertempuran kecil. Pahlawan, jika Anda ingin memanggilnya seperti itu, kurang ajar tetapi gagap dan hampir tidak menanamkan kepercayaan diri – hampir bukan peran yang Anda harapkan untuk Mifune, tapi bagus. Meskipun saya menikmati film ini, film ini memiliki dua masalah mendasar. Yang pertama sudah saya sebutkan–ini bukan film yang bagus jika Anda tidak bisa mengikuti alurnya karena Anda tidak tahu sejarahnya. Kedua, tampaknya terlalu lama — setelah beberapa saat tampaknya kehilangan sebagian momentumnya. Tapi, pada dasarnya itu adalah cerita yang bagus dan layak untuk dilihat. Selain itu, bagian akhir memberikan banyak aksi berdarah yang mengasyikkan… jika Anda menyukai hal semacam itu. Ngomong-ngomong, frasa yang dinyanyikan para petani di bagian akhir “”Ee ja nai ka”” juga menjadi judul film tentang periode waktu ini dan dampaknya terhadap orang miskin. Diterjemahkan secara kasar, artinya “mengapa tidak?”.

ULASAN : – Sebuah film dari tahun 1991 ketika Yakuza diburu oleh polisi. Seorang wanita yang kuat menjadi hrad seorang Kelompok Yakuza setelah suaminya yang dihormati dibunuh. Putranya adalah Yakuza muda yang tidak ingin berperang tanpa memikirkan banyak tentang hasil seperti Sony dari Godfather menurut saya. Ibunya ingin dia pensiun dari kehidupan Yakuza karena takut dia akan menjadi terbunuh. Konflik di antara mereka luar biasa menurut pendapat saya.

ULASAN : – Gaya tabloid sesuai dengan sampul DVD Inggris Gonza The Spearman (alias: Yari no Gonza) menyesatkan. Dengan menampilkan karakter sentral dari jarak dekat dan dalam pose yang relatif agresif, implikasinya adalah ini adalah film aksi samurai lainnya. Faktanya, kebalikannya benar. Karya elegan sutradara Shinoda terjadi pada tahun 1717, selama periode Tokugawa awal – masa ketika, setelah periode pergolakan yang panjang, Jepang telah muncul ke dalam stabilitas yang relatif. Ketika isolasionisme dimulai, maka masyarakat Nippon menjadi semakin berwawasan ke dalam, kaku dan terkotak-kotak, tetapi di bawah struktur ritual dan kesetiaan sosial yang semakin berat ini terdapat individu-individu yang hidup, dicintai dan mati seperti dalam masyarakat mana pun. Ketegangan dan ketidakadilan yang dihasilkan, dan khususnya keseimbangan antara “giri” (tugas) dan “ninjo” (hasrat) telah terbukti menjadi lahan subur bagi sebagian besar sutradara besar Jepang selama bertahun-tahun. Gonza secara khusus didasarkan pada Buranku (teater boneka ) dimainkan oleh Chikamatsu, yang menambahkan tingkat formalitas lebih jauh ke dalam produksi. Dengan cara yang terkenal, Shinoda sebelumnya mengadaptasi karya lain oleh “the Japanese Shakespeare”, sebagai Bunuh Diri Ganda (alias: Shinju ten no Amijima, 1969). Tulisan penulis naskah itu sangat menarik bagi sutradara. Pahlawan Chikamatsu selalu menarik, pria lemah yang rentan terhadap keterikatan romantis dibandingkan dengan tipikal tipe samurai, memungkinkan sutradara dalam adaptasi untuk mengeksplorasi dasar-dasar psikologis masyarakat Jepang dengan lebih baik. Namun jika di film sebelumnya kecerdasan dan setting teater sangat mencolok, di Gonza referensi semacam itu adalah formalitas yang disinggung dengan beberapa kecanggihan – meskipun ceritanya akan dikenal baik oleh penonton di rumah. Seperti semua adaptasi teatrikal, muncul masalah dengan “membuka” atau menurunkan dialog dari panggung. Film Shinoda secara visual sangat bergaya, sering kali menempatkan karakter pada jarak yang jauh dari lensa, menempatkan mereka secara tepat di lingkungannya. Dunianya yang disusun dengan hati-hati meningkatkan gagasan teater, serta menunjukkan jalan takdir melalui kurangnya penyimpangan dari kemajuan kehidupan yang ditetapkan. Kameranya statis, biasanya disusun dengan elegan di dalam bingkai, dan Shinoda menggunakan teknik pengeditan kuno yang samar seperti penghapusan. Ada penggunaan yang disengaja dari apa yang disebut “tembakan bantal” – potongan yang signifikan untuk benda mati. Ini adalah teknik yang akrab dengan gaya klasik master sebelumnya seperti Ozu, salah satu idola sutradara. Bidikan seperti itu memperkenalkan ketenangan transendental, atau terkadang kepasrahan yang tabah untuk proses, serta menawarkan cara simbolis untuk mendapatkan kembali ketenangan. (Istilah ini berasal dari “kata-kata bantal” yang digunakan dalam puisi Jepang – “kata-kata yang mungkin tidak memajukan atau bahkan merujuk pada subjek, tetapi digunakan untuk kepentingan dan keindahannya sendiri, sebagai semacam tanda baca.”) Bagi mata barat seperti itu Momen-momen juga memiliki intensitas ironisnya sendiri: sifat lumrah dari suatu objek yang terlihat setelah momen dramatis, bersekutu dengan kurangnya kehadiran manusia secara eksplisit, menambah signifikansi dari apa yang telah kita saksikan. Elemen gaya seperti itulah yang memprovokasi pemirsa yang berpendapat bahwa formalitas visual Gonza terlalu dingin, atau dugaan Shinoda yang “menjauhkan” dan menyendiri. Agak seperti tokoh sentralnya, film ini indah, meski bisa disalahartikan. Gonza adalah orang yang beraksi di masa damai, seorang ahli tombak ketika keterampilan seperti itu tidak lagi berguna dan ketika, bagaimanapun, “bagaimana kita bisa menyebut orang seperti itu seorang samurai?” Ini adalah waktu, kita diberi tahu, ketika para prajurit meninggalkan pedang mereka di feri atau di teater. Untuk memperoleh kenaikan pangkat, dan untuk merayakan kelahiran seorang pewaris daimio, si penombak wajib menguasai upacara minum teh. Ichinoshin, samurai lain, juga diusulkan untuk kehormatan ini. Di masa etiket sosial yang ketat, Gonza hanya diajari untuk tidak salah, jadi untuk mencapai pelaksanaan upacara yang sempurna, dia menyetujui rencana “barter” istri Ichinoshin, Osei, bahwa dia menikahi putri mereka, Okiku. Sayangnya Gonza sudah bertunangan, dan konfrontasi berikutnya dengan Osei terdengar sebagai bukti perselingkuhan mereka. Penombak kemudian muncul sebagai sosok yang menarik dan kompleks: dipaksa menjadi apa yang bukan dirinya, kemudian disalahkan atas apa yang bukan dirinya. “Dunia apa yang kita temukan?” tanya satu karakter. Jawabannya adalah tempat di mana kode moral yang ketat dan tidak fleksibel berarti kesalahpahaman bisa berakibat fatal. Pelarian pasangan itu, dan pembalasan yang berlarut-larut adalah tragedi melodramatis, menuding Gonza sebagai korban masyarakat, bukan kelemahannya sendiri – meskipun ambisi aslinyalah yang mengarah pada pelanggaran janji yang kritis. “Dia tidak mengerti apa-apa. Bukan wanita, bukan zaman yang kita tinggali ini,” katanya tentang prajurit itu. *jidaigeki* Shinoda dengan demikian mewakili masyarakat yang represif, yang dikritik melalui norma-norma tersembunyi dari interaksi manusianya – rutinitas khas humanis , bioskop Jepang. Saat keduanya melarikan diri, tragedi itu terletak pada masyarakat feodal yang begitu membingungkan mereka, yang begitu memisahkan tugas dan hasrat, seperti pada kenyataan bahwa istri Osei terlambat menyadari sesuatu tentang dirinya. Dan dengan menolak memainkan elemen melodramatis dari cerita melalui pemotongan cepat, close up emosional dan sejenisnya – dengan kemungkinan pengecualian klimaks – Shinoda mengikuti tradisi yang panjang dan terkemuka. Dia menyaring tragedi melalui gaya yang, implikasinya, menjauhkan dan mengintensifkan masyarakat yang pantang menyerah, serta mencerminkan asal-usul asli cerita Bunraku. Jika mungkin filmnya tidak mencapai ketinggian Mizoguchi – mahakarya sutradara yang lebih tua, seperti Life Of Oharu (alias: Oharu, 1952) adalah karya yang lebih feminis, dan kemarahan mereka terhadap ketidakadilan sosial lebih mengharukan – itu masih merupakan pencapaian yang cukup besar . Tentu saja dia sangat terbantu oleh sinematografi Miyagawa (Rashomon, Ugestu) dan juga musik gamblang dari komposer Takemitsu, yang tanda baca suaranya yang tepat sangat cocok dengan gambar cermat yang ditawarkan. Selain renungan intelektual, betapa menyenangkan seni semacam itu film rumah untuk pemirsa rata-rata? Tidak ada keraguan bahwa pengekangan bagian pertama tidak sesuai selera. Namun begitu pelanggaran Gonza terjadi dan peristiwa yang fatal terjadi, tingkat ketegangan dirasakan dan peristiwa bergerak secara alami dengan dorongan dramatis. Ada peningkatan empati yang diciptakan untuk dua pezinah, yang sebelumnya dangkal dan terobsesi pada diri sendiri, sekarang lebih merupakan unit emosional saat film tersebut mencapai kesimpulan berdarahnya. Meskipun, atau mungkin karena kesejukan sebelumnya, momen-momen kesedihan yang berhasil membuat dampak yang lebih besar. Ungkapan terakhir Gonza “Jika saya memiliki tombak bambu …” misalnya, pernyataan singkat tentang kerugiannya sendiri yang berbahaya jauh dari bidang keahlian terbesarnya, yang akhirnya dipersenjatai dengan pedang kayu. Atau bidikan terakhir dari upacara minum teh, yang sekarang sarat dengan kenangan dan makna, contoh utama lainnya. “Saya akan mengambil bagian,” kata kakek yang sebelumnya terasing, saat sang putra melakukan tindakan – pada awalnya, tampaknya, di sebuah ruangan kosong setelah itu kami tiba-tiba menyadari adanya audiensi keluarga yang kritis. Berbicara banyak tanpa dialog yang berarti, Gonza menutup coda tenang ini dengan long shot wajah Okiku. Dengan hati-hati netral, ekspresinya mengundang pemirsa untuk menafsirkan keadaan batin, sama menggugahnya seperti kesimpulan terkenal dari Ratu Christina karya Mamoulian (1933), dengan Garbo.

ULASAN : – Saya melihat Harakiri (Seppuku) dalam cetakan 35 mm baru di Forum Film NYC. Ini adalah penggunaan genre periode sempit yang brilian untuk mendakwa politik dan budaya secara eksplosif. Penulis Shinobu Hashimoto dan Yasuhiko Takiguchi pasti terinspirasi oleh “The Count of Monte Cristo,” Ambrose Bierce dan Western Howard Hawks serta oleh sastra dan film samurai. Film ini dimulai dengan menipu sebagai sebuah cerita di dalam sebuah cerita, tampaknya memberikan contoh tradisional dalam menegakkan kehormatan samurai, seperti dalam kisah konvensional “The 47 Ronin” yang sering diceritakan kembali. Konteksnya diatur pada saat pemerintah pusat, keshogunan, menggantikan klan lokal dan secara sewenang-wenang menganggur ribuan orang, terutama samurai mereka, memaksa mereka ke mode tentara bayaran ronin paling banter dan mengemis makanan dengan lebih buruk. Tapi kesejajaran dengan abad ke-20 dibuat berulang kali secara eksplisit karena samurai yang datang ke klan ini untuk mencari bantuan berasal dari Hiroshima. Secara bertahap kita mendapatkan wawasan lebih jauh tentang kisah di dalam sebuah kisah, karena kita melihat lebih banyak kilas balik dalam kilas balik tentang apa yang dimiliki masing-masing karakter. telah dilakukan sebelum konfrontasi ini dan kita mendapatkan firasat tidak nyaman bahwa moral cerita mungkin tidak seperti yang terlihat pada awalnya dan taruhannya semakin tinggi dengan ketegangan yang hampir tak tertahankan. Hampir setengah jalan film sampai kita melihat seorang wanita dan kita tiba-tiba melihat model maskulinitas alternatif, di mana prioritas diletakkan pada keluarga, dukungan, pendidikan, dan produktivitas kreatif. Dibandingkan dengan hubungan pembukaan macho, dengan penekanan mereka pada kesetiaan militeristik formal terhadap hierarki, suami dan ayah yang penuh kasih praktis adalah seorang metroseksual. Melihat samurai pendukung yang sama membuat suara goo goo biasa untuk cucunya menempatkan adegan ritual sebelumnya dalam kelegaan yang tajam, terutama gambar berulang dari baju besi klan yang tampaknya semakin tidak mengesankan dan akhirnya dihancurkan sebagai simbol kosong. Ketegangan psikologis di konfrontasi di sepertiga terakhir film lebih menyiksa daripada kekerasan yang sebenarnya. Bahkan ketika kita mengira kita sudah mengetahui hasil dari kilas balik, lapisan persepsi hubungan dan kepribadian secara menyakitkan terkelupas dengan setiap tusukan pedang untuk mengungkap kedalaman kemunafikan yang mengerikan dari struktur politik dan sosial. Dan itu hanyalah resonansi budaya yang luar biasa yang dapat dikumpulkan oleh orang Amerika abad ke-21. Seperti “Kejatuhan (Der Untergang)”, ini mengungkapkan mentalitas tidak manusiawi yang menyebabkan Perang Dunia II. Motif berulang dari perjalanan jauh kemudian konfrontasi di koridor kosong menekankan labirin birokrasi yang menjebak para karakter. Motif balas dendam diberi aksen oleh sinematografi yang sangat indah yang mengingatkan pada seni tradisional Jepang, termasuk tetesan darah seperti butiran salju pertama, lalu air terjun. Efek keseluruhan dari mahakarya ini menguras emosi.